Уникальное близко: что обязательно увидеть в музее им. Коваленко в Краснодаре

Какие сокровища можно встретить в провинциальной картиной галерее, сколько стоит билет, и отчего стоит ходить в музей не только в Ночь музеев.

Кто-то ходит в музеи, потому что всю жизнь мечтал увидеть, к примеру, «Утро в сосновом лесу» Шишкина и Савицкого не только на конфетном фантике или хочет проверить, разревется ли в три ручья перед «Зимним пейзажем с конькобежцами и ловушкой для птиц» Питера Брейгеля-младшего в Пушкинском, а кто-то — потому что «так правильно». Последние «охотятся» за музеями с мировыми именами, а в другие могут забежать хорошо если раз в год в «Ночь музеев» — а зачем чаще? Ведь все лучшее там, здесь смотреть не на что.

Если вы тоже считаете, что в Краснодаре не на что смотреть, отправляемся менять картину мира в Краснодарский краевой художественный музей имени Ф. А. Коваленко, который в 2024 году отмечает 120-летие со дня основания.

Музей имени Коваленко занимает два здания. Основное — «Дом инженера Батырбека Шарданова» на Красной, 13. Красивый бело-голубой особняк — одна из «визиток» города, без изображения которого не обходится практически ни один набор открыток, посвященный Краснодару.

Второе здание музея расположено через дорогу, на Красной, 15 — это «Екатеринодарская контора госбанка». Здания и их внутренняя отделка достойны не меньшего внимания, чем экспонаты.

Немного личного:

Очень рекомендую, поднимаясь по лестнице на второй этаж основного здания на Красной, 13, посмотреть вверх. Роспись в сочетании с высотой потолков вызывает почти эйфорию. И тут главное крепче держаться за перила. Еще отдельное удовольствие для внимательных — изразцы на печах, чугунные завитки на решетках каминов и сюжеты басен Лафонтена на обивке кресел. Именно ради деталей интерьера, которые сами по себе — шедевр, стоит приходить в музей в самые тихие часы, когда, во-первых, ничто не помешает подойти ближе (трогать нельзя, но долго смотреть — можно и нужно), а во-вторых, никто не станет удивляться тому, что вместо картин вы разглядываете антикварную мебель, стены, перила, двери и потолки.

Что касается второго здания, тут главные «легенды интерьера» — мраморная лестница с коваными элементами ограждения, сводчатый потолок и старинная плитка в вестибюле. И их тоже нельзя рассматривать на бегу.

Сегодня в фондах музея более 13 тыс. экспонатов — от старинных икон до авангарда и современной живописи. Ежегодно фонды пополняются за счет дарения с проходящих в музее выставок.

Особо ценные экспонаты — русский авангард, японская цветная ксилография (XVIII – сер. XIX в.), искусство Нидерландов XVI в., русская и советская живопись, а также экслибрис, то есть книжный знак, удостоверяющий владельца книги (XVIII–XX вв.).

Первый этаж основного здания отдан под регулярно сменяющиеся временные выставки. Это могут быть выставки из фондов, совместные или же привозные. На втором этаже — два мемориальных зала, посвященных основателю музея — Федору Коваленко и продолжателю его дела — Ромуальду Войцику, зал древнерусского искусства, зал XVIII века, зал первой половины XIX века, зал второй половины XIX века, зал рубежа XIX — XX веков, зал авангарда.

Выбрать пять наиболее примечательных картин из основной коллекции почти невозможно, потому этот топ-5 будет очень субъективным, с акцентом на пейзажи. У вас он может оказаться совсем другим.

Воспринимать «Морской бой» и «Туманное утро» советую исключительно как два в одном, по отдельности ощущения не те. Несмотря на то, что между написанием этих картин прошло 22 года («Морской бой» создан в 1855 году, а «Туманное утро» — в 1877) и противоположность сюжетов — баталия с дымом и огненными всполохами и меланхоличное утро с солнечными бликами на воде, — рядом они ощущаются как нечто цельное. Возможно, дело в схожей цветовой гамме, а может, в настроении художника в момент написания картин, но перед ними в отделе живописи XVII — начала XIX века можно замереть надолго.

Елена Касавченко, старший научный сотрудник музея им. Коваленко:

«Морской бой» относится к периоду пребывания Айвазовского в составе Главного Морского штаба. На полотне запечатлено первое в истории сражение паровых судов — 11-пушечного колесного пароходофрегата «Владимир» с 10-пушечным турецко-египетским пароходом. Авторское повторение более крупного размера есть в Военно-морском музее Санкт-Петербурга».

От теплого моря — к холоду русской деревни в исполнении передвижников, которые когда-то заставили мир обратить внимание на русский пейзаж.

«После пожара» — это темные мрачные краски, полусгоревший деревянный дом на окраине, глубокие колеи, заполненные водой и холодное небо. Тяжелая, давящая картина, но оторваться от нее невозможно.

Что мы представляем, когда слышим «картины Левитана»? Как правило, это много воздуха и ощущение высоты («Над вечным покоем», «После дождя. Плес», «Владимирка» и т. д.), тонкие линии («Весна — большая вода», «Март» и т. д.) и нежные, прозрачные цвета. Вспомнили? А теперь забудьте! Перед вами «Берег моря», относящийся к крымскому периоду, когда Левитан отправился к морю лечить чахотку и переживать кризис.

Ограниченная палитра, отсутствие деталей, все лаконично, строго и «по существу» — именно эта кажущаяся простота и заставляет задержаться перед картиной.

Пройти мимо ростового портрета красивой брюнетки в белом платье вы точно не сможете. Да, после парадных «императорских» портретов с их насыщенными красками, глянцем и роскошью изящная и легкая Красильщикова может показаться недостаточно яркой. Не спешите, присмотритесь. Это парадный портрет, который не подавляет. И выполнен он не маслом, а пастелью. Мягкие пастельные мелки, руки художника и растушевка, а не краски и кисти, и все это на полотне размером 223×100 см. Детальная проработка лица, тонкое платье, контрастная темная и тяжелая шаль в руках модели и гораздо больше цветов, чем кажется на первый взгляд. Белый — это не цвет, это совокупность всех цветов. В общем, остановиться и рассмотреть складки на платье, блики на ожерелье и очень живое лицо определенно стоит.

Елена Касавченко:

«Елизавета Алексеевна была женой мануфактурного магната Николая Красильщикова, они имели особняк на улице Моховой в Москве, где и висела эта работа. Красильщиковы были творческой парой, что в картине тоже отражено — на втором плане виден абрис рояля. Этот же портрет Валентин Серов повторил в масляной технике. Но результат работы маслом, вероятно, разочаровал художника, и он оставил ту работу неоконченной».

Картон, темпера и непарадный Петербург с мрачными дворами и желтыми стенами домов. Вид сверху (может быть, даже с крыши — гуляли ли вы по крышам в Питере?) на промышленный район. Прямо перед вами — типичный двор и кривые голые ветки деревьев, а дальше — трубы заводов и стройка с кранами. Все просто и обыденно? Может быть, но если посмотреть на год создания картины, тихий дворик и подбирающийся к нему «новый мир» звучат очень тревожно.

Елена Касавченко:

«Начало XX века сильно повлияло на художников — многие их работы были наполнены предчувствиями слома эпох».

Точно не стоит проходить мимо «Неудачной шутки» Николая Фешина (того самого, которого в США считают национальным американским живописцем — стоило только талантливому человеку эмигрировать после революции) с ее оригинальной, ни на кого не похожей манерой письма, широким «рваным» мазком и экспрессией.

Еще советую задержаться перед «Елочным торгом» Кустодиева, совершенно чарующим своей благополучно-теплой предпраздничной суетой, настоящей русской зимой, запряженными санями, дамами с меховыми муфточками и золотом куполов в морозной дымке.

Ну и, безусловно, достойна отдельного внимания маленькая, всего 16х24,5 см, картина Ивана Похитонова «Горячий ключ. После разлива». Работа выполнена маслом на дереве, но она настолько легкая и прозрачная, что кажется акварельной.

Елена Касавченко:

«Работы Похитонова есть в Третьяковской галерее, очень приятно, что его итальянские родственники — художник после революции эмигрировал в Италию — дарят музеям его работы. Для его картин характерны небольшие масштабы, это было принципиально для художника. Писал он на доске по технологии старых мастеров, сначала выглаживая доску галькой».

Все перечисленное — только крохотная часть того, на что обязательно нужно посмотреть в музее им. Коваленко. И это легко сделать, просто купив билет в музей в любой день (о том, когда и как расскажем ниже). Но есть в галерее и то, что обычно скрыто от глаз посетителей. И не потому, что «спрятали для себя», просто экспонаты слишком хрупкие и «выходят» в свет только по серьезным поводам, чтобы потом долго оставаться предметом обсуждения любителей искусства. Что это за бриллианты коллекции?

В 1906 — 1911 годах путешественник, сотрудник Музея антропологии и этнографии имени Петра Великого, профессор Николай Воробьев по заданию Императорской Академии Наук отправился в путешествие по странам Азии и Дальнего Востока. Вот что называется работой мечты. Но не будем отвлекаться.

Из командировки Воробьев привез различные экспонаты для Кунсткамеры, в основном это были музыкальные инструменты. Но и о себе путешественник не забыл — собрал большую коллекцию японской цветной ксилографии укие-э. После революции Воробьев примкнул к белому движению, а в 1920 году эмигрировал. Коллекцию оставил сестре, а у нее гравюры изъяло ГПУ. Изъять — изъяло, а что с шедеврами делать — не придумало. В итоге коллекция была передана в музей (на тот момент он носил имя Анатолия Луначарского) в совершенно плачевном состоянии. Бесценные 190 графических листов отреставрировали в 70-е годы эксперты Всероссийского художественного научно-реставрационного центра им. академика И. Э. Грабаря. Коллекция «взорвала» культурное пространство и даже выставлялась во время Олимпиады-80 в Москве.

Но главная «бомба» была еще впереди. В 1998 — 1999 годах коллекция «гастролировала» в японском городе Мацумото. Там-то и выяснилось, что произведение Утагава Тоекуни I «Воин Сого-но Горо Токимунэ» — это единственный в мире сохранившийся экземпляр. А теперь возвращаемся к началу статьи, вспоминаем «все лучшее там». Там ли?

Также в коллекции музея есть гравюры прославленных мастеров японской цветной ксилографии эпохи Эдо. Это Кацусика Хокусай, Утагава Кунисада, Эйсэн Кэйсай, Эйдзан Кикугава и Утагава Хиросиге.

Увидеть эти произведения можно довольно редко только на специальных выставках, которые нужно отслеживать (как это сделать расскажем в финальном блоке) и на которые придется заранее приобретать билеты. Почему нельзя любоваться японской ксилографией постоянно? Потому что цветные оттиски на бумаге, увы, быстро выцветают. Создавая эти гравюры с «воинами, актерами и красавицами», авторы не рассчитывали, что произведения будут жить вечно. Это была рекламная продукция, тираж. Однако работы отличались смелыми неожиданными композиционными и цветовыми сочетаниями, кроме того, это была тонкая работа с проработкой мелких деталей и для оттиска каждого цвета использовалась отдельная доска. Не создавались для вечности, но стали настоящими сокровищами.

Если речь зашла о полотнах с непростой историей, стоит сказать пару слов о работах Казимира Малевича и Василия Кандинского. «Супрематизм» Малевича и «Беспредметное» Кандинского можно увидеть в зале начала ХХ века. Эти работы появились в музее благодаря Ромуальду Войцику.

Елена Касавченко:

«За эту коллекцию Войцик поплатился свободой и карьерой — его отправили в ссылку, и в Краснодар он больше не вернулся. К тому моменту в СССР уже «царил» соцреализм, а авангард оказался ненужным. Потом пришла война, коллекцию музея срочно эвакуировали в Солекамск, чтобы ее не разграбили немцы. Но полотна Малевича и Кандинского остались в Краснодаре. Немцы на них не покусились — «дегенеративное искусство», не интересно. Коллекция пережила все тяжелые времена, спаслась и от войны, и от списания. Когда директором музея была Светлана Зеленова, она показала коллекцию своей бывшей однокурснице по институту имени Репина, жене Константина Симонова. Коллекция была высоко оценена. А после перестройки собрание русского авангарда получило новую жизнь — участвовало во многих выставках и не только в России».

Начнем с главного: как не пропустить самое интересное?

Установить приложение музея и подписаться на соцсети. Так вы точно будете в курсе всех выставок, мероприятий и сможете купить на них билеты.

Билеты, к слову, стоят просто неприлично дешево. Согласно прейскурантам, размещенным на сайте музея им. Коваленко:

• Самый дорогой билет (постоянная экспозиция «Русское искусство XVI — XX века») — 300 рублей,
• Детские билеты — от 70 (до 7 лет) до 100 рублей,
• Пенсионерам — 150 рублей,
• Студентам — 200 рублей

А еще музей работает с программой «Пушкинская карта», так что посетители от 14 до 22 лет могут вообще не тратиться, если не поленились оформить карту.

На привозные выставки цена билета может превышать 300 рублей.

Ни в коем случае не стоит пропускать временные выставки. Это то, что не повторяется. В частности, в музее регулярно проходят выставки современных художников. Автор особенно рекомендует посещать выставки акварелистов и ежегодные «Истории Краснодара».

Но не выставками едиными. В музее регулярно проходят:

• лекции,
• мероприятия для детей разных возрастов,
• мастер-классы,
• квесты.

С их расписанием также можно ознакомиться на сайте, посещение — в рамках различных абонементов. Да, музей — это не просто хранилище древних артефактов, это очень живой и интересный мир.

Музеи, как и театры, отдыхают по понедельникам.

Во вторник, среду, пятницу, субботу и воскресенье музей открывается в 10:00 и работает до 18:00. Касса закрывается в 17:45. Провести в музее, при желании, можно целый день — выгонять никто не будет.

Самый «музейный» день — четверг. Открытие позже — в 13:00, — зато и работает до 21:00. Касса — до 20:45.

В разгар буднего дня (и не во время школьных каникул) посетителей будет меньше. То есть вы сможете наслаждаться не только искусством, но и покоем. Однако есть нюанс.

Вторник — день, когда некоторые категории посетителей могут посмотреть экспозиции (кроме коммерческих проектов) бесплатно.

Кому по вторникам вход бесплатный:

• Первый вторник месяца – бесплатно для всех, кому не исполнилось 18 лет.
• Второй вторник месяца – бесплатно для многодетных семей
• Третий и четвертый вторники – бесплатно для студентов, обучающихся по программам изобразительное искусство, музееведение, культурология, архитектура и дизайн.

Если вы не из их числа, вторник как свой личный «день музея» лучше не рассматривать — в одиночестве не останетесь.

Закладывайте на поход побольше времени. Помните: за час-два посмотреть все интересное с полным комфортом вряд ли получится, так что «забежать в обеденный перерыв» — однозначно плохая идея. Три часа неспешным шагом с остановками и изучением справочной информации — нормально.

Можно и в одиночестве — многие картины обеспечили QR-кодами, которые перекинут вас на сайт Artefact, где можно узнать историю шедевра и интересные факты из жизни художников. Также есть экспликации.

Но если хочется «живого» экскурсовода и есть желание позадавать вопросы, тогда, конечно, не стоит себе в этом отказывать. Ряд кураторских экскурсий, расписание которых есть на сайте и в приложении музея, можно посетить при покупке билета на выставку.

Если хотите атмосферы всеобщей «музеизации» и поучаствовать в программах, которые музеи всегда готовят к этой дате, а также нормально относитесь к длинным очередям — можно. Если же вы хотите увидеть постоянную экспозицию и просто рассчитываете сэкономить — нерационально. Во-первых, спокойно рассмотреть то, что хочется, вам не позволит огромное количество посетителей. А во-вторых, на такси вы однозначно потратите больше, чем на билет на основную экспозицию в любой другой день.